Habilitationsprojekte

Mapping Transformation in Opera in South Africa (1994-2022) - The Impact of Democracy on an 'Elite Artform' (AT)

Das interdisziplinäre Habilitationsprojekt, das an den Schnittstellen der Historischen Musikwissenschaft, den Performance Studies, der Musiksoziologie und -anthropologie angesiedelt ist, analysiert erstmals umfassend die unterschiedlichen Transformationsprozesse der südafrikanischen Oper seit der Demokratisierung. Da Opern als Institution und Gattung während der Apartheid als ein politisches Instrument zur Darstellung von Macht und kultureller Überlegenheit einer „Elite“ verwendet wurden, benötigten sie seit dem Übergang zur Demokratie einen „Image“-Wechsel.

Ein Ziel des Projektes ist es, erstmals überregional zu identifizieren, wer in Südafrika seit der Auflösung der Performing Arts Boards Opern produziert. Anschließend werden die Produktionsbedingungen dieser Operngesellschaften und Ensembles im Rahmen ihres sozio-politischen Kontextes sowohl im Hinblick auf ihre Finanzierung, institutionellen Strukturen und Personal, als auch auf ihr aktives Repertoire und Publikum untersucht.

Ein weiteres Ziel bildet die Darstellung von Transformationsprozessen der Gattungsform und -ästhetik in Südafrika. In der Analyse der Transformationsprozesse wird u.a. danach gefragt, inwieweit die institutionellen Strukturen und Produktionsbedingungen Einfluss auf die jeweilige Stoffwahl und ästhetische Umsetzung der Produktionen haben. Der Fokus wird dabei zum einen auf Adaptionen des traditionellen Kanons, die in einem südafrikanischen Kontext inszeniert werden, und zum anderen auf Neukompositionen, die von südafrikanischen Komponisten und/oder Librettistinnen und Librettisten verfasst wurden, gelegt. Im dia- und synchronen Vergleich soll herausgefunden werden, welche impliziten Intentionen (z.B. neue Identitäts-, Gemeinschafts-, oder Gesellschaftsbildung) mit den Opernproduktionen in der noch jungen Demokratie verbunden werden, und ob sich diese durch ihre unterschiedlichen Strukturen voneinander abgrenzen oder sich überlagern.

Zudem ist im Rahmen der Transformationsprozesse der Gattungsform und -ästhetik eine kompositorische Auseinandersetzung mit den Neukompositionen unerlässlich, um das Forschungsprojekt kritisch in den jungen Forschungsfeldern der „Black Opera“ und „African Art Music Production“ zu positionieren. Dabei werden nicht nur die in der Wissenschaft und Praxis unterschiedlichen Begrifflichkeiten einer „indigenisierten“, „afrikanischen“ und/oder „Black Opera“ auf ihre Anwendbarkeit und Passgenauigkeit für das südafrikanische Opernrepertoire hin problematisiert, sondern auch die Intentionen für deren Verwendung hinterfragt. Meine Forschungsarbeit wird offenlegen, in welchem Maße ein musikhistorisches „Black Empowerment“ in Südafrika greifbar ist, wenn nicht nur einzelne Werke, sondern auch institutionelle Strukturen und ihr Repertoire umfassend in den Blick genommen werden.

Während Erinnerungskultur, Nostalgie und Versöhnungspolitik für ein „Nation Building“ nach 1994 zuerst zentral waren, werde ich aufzeigen, dass zunehmend Neukompositionen und Inszenierungen entstehen, die sich sozialkritischen Themen widmen. Dabei werden meine Repertoireanalysen, anknüpfend an die theaterwissenschaftlichen Studien in Südafrika von Yvette Hutchison, zeigen, wie frühere Positionen zu Ethnizität, Geschlecht, Klasse und Geschichte inhaltlich und musikalisch neu verhandelt werden und aktuelle Diskussionen über Identität, Geschichte und den Umgang mit Diskriminierungen und Gewalt reflektieren und beeinflussen.

‘Gypsy Music’ in Switzerland: a Space for Cultural (Re-)negotiation and Divergence

‘Gypsy Music’ is a popular category within the World Music genre, which currently seems to be omnipresent in Western Europe and the United States: ‘Gypsy’-bands are formed by amateur and professional musicians, ‘Gypsy Music’ workshops attract great numbers of folk music lovers and ‘Gypsy’-festivals representing ‘real gypsies’ are booming. However, the term ‘Gypsy Music’ is highly problematic and its concept seems most arbitrary. Firstly, because it is used for a number of completely unrelated musical styles, and secondly, because it seems to be rather the product of Western fantasies than the actual musical expressions of Romani peoples.

On the one hand, there are ‘Gypsy Music’ bands of generally Western devotees of folk music who play these - what they perceive as - beautiful, passionate and exotic melodies, lyrics and rhythms with great fervour. Many of these musicians received classical Western art music training as children but feel nowadays restricted by the music’s perceived seriousness and fixed forms. In their eyes, classical music leaves not much room for improvisation and creativity. Therefore, followers of the modern and generally more alternative Folk music scene look for possibilities to engage with music in a presumably more joyful and free manner, while at the same time celebrating cultural hybridity. Although initially designed as a musical style to foster multicultural inclusiveness, aspects of orientalism combined with the stylistic simplification of autochthonous Romani music aesthetics seem to be omnipresent in what these musicians understand as ‘Gypsy Music’.

On the other hand, there is a majority of renowned Romani musicians who are nowadays an integral part of the globalisation process. They frequently interact with Western Europe and the USA, either because they live in the diaspora, or because they extensively tour the world’s stages. The majority of these musicians have their cultural roots in the Balkans (Bulgaria, North Macedonia, Serbia, Rumania and Greece in particular), but there are also musicians from Russia, Poland, Czech Republic, or France. The main consumers of Romani Musics are frequently not the people who the Romani live next door with in the Balkans but rather often left-alternative Westerners, consumers of ‘World Music’ and ‘World Beat’, or Romani people living in the diaspora. Contemporary Romani musicians find themselves often torn between adapting to Western aesthetics (Self-Orientalisation or Westernisation) or exploring new musical idioms with the risk of losing their paying audience. Collaboration between Romani musicians and Western musicians on an equal eyelevel also exists, which leads towards completely new musical creativity. As becomes clear, the concepts of Western ‘Gypsy Music’ and modern ‘Romani Musics’ often stand in harsh contrast with each other but they sometimes overlap. This ambiguity seems exemplary for many multicultural societies in present Western Europe and the United States. It constitutes therefore an essential area of not only philosophical concepts (e.g. Homi Bhabha’s ‘Third Space’) but hands-on research.

This habilitation project takes Switzerland as a case study and examines how various promoters of ‘Gypsy’ Music and Romani Musics understand and (re-)negotiate the plethora of different musical styles and cultural approaches, thereby often using similar labelling. Questions of authenticity, transculturality, bi-musicality, cultural appropriation, exoticism and hybridisation in a post-modern World Music setting and/or diaspora in Switzerland are being compared, discussed and evaluated. The research thus aims at filling an important gap in the research on Romani Musics in the diaspora as well as on ‘Gypsy Music’ in modern cosmopolitan contexts.

CLEFNI - Das Chorleben in den Städten Bern und Freiburg im langen 19. Jahrhundert

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Klanglichkeit in burgundisch-habsburgischen Riten

Musikalische und klangliche Darbietungen spielten in der Inszenierung höfischer Festlichkeiten eine wesentliche Rolle. Ihre Wirkung entfalteten sie jedoch vor allem in der Verbindung mit anderen Medien. Erst die Kulmination unterschiedlicher medialer Elemente führte zu der angestrebten Überwältigung, die im Vorfeld herausragender festlicher Ereignisse detailliert geplant, über lange Zeiträume vorbereitet und im Anschluss gezielt in idealisierenden Festberichten oder bildlichen Darstellungen Verbreitung erfuhr. Die Festbeschreibungen zum Fasanenfest, das Philipp der Gute 1454 in seiner Residenz in Lille ausrichten liess, oder zu den Feierlichkeiten, die anlässlich der Vermählung Karls des Kühnen mit Margarethe von York 1468 in Brügge stattfanden, zeigen eindrücklich, wie sich die Herzöge mittels klanglicher, bildlicher, akrobatischer, kriegerisch-sportlicher, tänzerischer und gustatorisch-olfaktorischer Elemente inszenierten, dass deren Ineinandergreifen einer geplanten Strategie unterlag, die eine bestimmte Performation verlangte.

Anhand des weiter gefassten Begriffs von «Klanglichkeit», der sich bewusst gegen das paradigmatisch aufgeladene Verständnis von Musik als Kunstwerk in der Auffassung der Musikgeschichtsschreibung des 19. Jahrhunderts wendet, sollen musikalisch-akustische Phänomene dieser beiden sowie weiterer herausgehobener und besonders gut dokumentierter Festlichkeiten der burgundisch-habsburgischen Sphäre in intermedialer Perspektive untersucht werden. Gefragt wird dabei, wie akustisch-musikalische Momente Festverläufe räumlich, zeitlich und emotional im intermedialen Gefüge strukturierten, wie sie Bedeutungen transportieren, die sinnliche Ausgestaltung von Festräumen gestalteten, aber auch wie sie von den Festbesuchern wahrgenommen wurden. Der klanglich-intermediale Zugriff erfolgt dabei auf der Basis verschiedener Materialitäten, schriftlich-musikalische Quellen werden dabei ergänzt von textilen, bildlichen, figürlichen Darstellungen sowie weiteren Artefakten der Schatzkunst, die im Rahmen der Hoffeste präsentiert und benutzt wurden.